In der Ausstellung werden - neben dem gezeigten Oberarm mit Tattoo - Fotografien weiterer Körperteile, die als Bildträger zur künstlerisch-technischen wie persönlichen Verewigung dienten, zu sehen sein. Die Motive reichen vom Rhinocerus  (1515) über den Feldhasen (1502) und dem bildgewaltigen Zyklus der Apokalypse (1496–1498) bis zu weniger bekannten Werken Dürers.
Unerheblich, ob die Tattoos als spontane Urlaubserinnerungen, zur Verarbeitung persönlicher Schicksalsschläge oder sorgfältig geplante Kunst-Projekte entstanden sind: Die Ausstellung gibt allen Raum.
Eindrucksvoll zeigt sich dabei, dass das Gesamtwerk Dürers interdisziplinär und über Ländergrenzen hinweg längst ikonisch verstanden wird. Mit dem Sprung hinaus aus den klassischen Disziplinen der Kunstgeschichte hinein in die – längst nicht mehr als bloße Modeerscheinung zu verstehende – Szene der Körperkunst, bietet das Albrecht-Dürer-Haus eine Bühne, die keine Gattungs-, Generations- oder Milieugrenzen kennt.
Für Guillén steht fest:

„It's a piece of a tattoo project that I hope will grow, with artists as good as Leonka, specialized in tattoo engravings. That's why I thought it was also nice to start with one of the classic masters.“

Dürer under your skin: Tattoo art
12. April bis 01. September 2024
Nürnberg, Albrecht-Dürer-Haus
Weitere Infos, auch zum umfangreichen Rahmenprogramm,
finden Sie auf der Homepage des Museums.

1 Zur Ausstellung erscheint ein Katalog (deutsch/ englisch): Dürer under your skin. Tattoo art, Christine Demele (Hrsg.) mit einem Essay von Anna Lisa Schwartz, Petersberg 2024, vgl. Ausst.-Kat. Nürnberg 2024.

2 Statement von Sylvia Bader (Tattoo Trägerin/Wearer), Nürnberg (Germany).

3 Für das Projekt eingereichtes Foto und Statement von Alejandro M. Sanz Guillén (Tattoo-Träger/Wearer), Valencia (Spain).

4 Instagramaccount von LeonKa. www.instagram.com/leonka.art (Stand: 04.04.2024).

5 Art in Rug: LeonKa. artinrug.com/artist/leonka (Stand: 04.04.2024).

Quellen sammeln und verknüpfen

Sobald Quellentexte in duerer.online aufgenommen worden sind, können sie mit Objekten digital verknüpft werden, zu denen ein inhaltlicher oder historischer Zusammenhang besteht. Beispielsweise finden sich Kataloge privat gesammelter (Dürer-)Zeichnungen darunter, die mit dem Nachlass des Bamberger Sammlers Joseph Heller (1798-1849) in den Bestand der damals noch Königlichen Bibliothek Bamberg (heute Staatsbibliothek) übergingen: Beim Aufrufen des handschriftlichen Verzeichnisses der populären Sammlung des Wieners Joseph Grünling (1785-1845) sind - neben einem Kommentar, der den Quellenkontext erläutert - alle darin erwähnten Zeichnungen, die bereits in duerer.online verzeichnet sind, unter Angabe ihres heutigen Besitzverhältnisses zu finden.

Aber nicht nur die Kunstwerke können verknüpft werden, sondern auch weitere, in Zusammenhang stehende Schriftquellen. Im Catalog der Handzeichnungen, welche sich in der Derschau’schen Sammlung zu Nürnberg befanden erwähnte der Verfasser beispielsweise das sogenannte „Gedenkbuch” Dürers, das sich seit 1835 im Berliner Kupferstichkabinett befindet. Interessierte gelangen durch die digitale Verknüpfung in solchen Fällen also von einem Quellendatensatz zum anderen.

Transkription und Edition

Des Weiteren präsentiert die Universitätsbibliothek Heidelberg im Rahmen des Projekts neu erarbeitete Transkriptionen (Editionsprinzipien). In der alphabetisch geordneten Listenübersicht der Quellen ist hinter jedem Quellentitel das Vorhandensein einer Transkription gekennzeichnet. In den Quellendatensätzen selbst sind ältere, bereits digital verfügbare Transkriptionen/ Editionen abrufbar. Durch das Nebeneinander von digitalen Faksimiles und Transkriptionen/ Editionen vom 16.-21. Jahrhundert entsteht nicht nur ein informativer Mehrwert, sondern wissenschaftliche Transparenz.

Um zur Transkription/ Edition von duerer.online zu gelangen, folgt man dem angegebenen Permalink zur Online-Ressource. Möchten Interessierte sich das digitale Faksimile und die Transkription/ Edition nebeneinander anzeigen lassen, so können die entsprechenden Reiter oben links nach Bedarf aktiviert oder deaktiviert werden. Zudem kann die Textdarstellung individuell angepasst werden. Wählen Sie entweder die zeichengenaue Transkription oder die dezent edierte Variante, lassen Sie sich Zeilennummerierungen anzeigen, Abkürzungen auflösen und/ oder editorische Eingriffe kenntlich machen - Sie selbst entscheiden, wie Sie sich den Quellen nähern möchten.

Identifikation genannter Personen, Orte und Kunstwerke

In der Anzeige der Transkription/ Edition sind Personen, Orte und Kunstwerke mit charakteristischen Icons versehen und über Normdaten der GND identifiziert. Beim Klick auf die Icons werden Informationen sichtbar, die Lesende dabei unterstützen, die jeweiligen Personen, Orte oder Werke einzuordnen. Bei den in der Quelle genannten Personen und Kunstwerken kommt zusätzlich eine weiterführende Verknüpfung zu duerer.online zum Vorschein, sobald auch dort ein Personen- oder Werkdatensatz angelegt worden ist. Natürlich gelangen Sie gleichermaßen aus den Personendatensätzen oder Werkdatensätzen auf duerer.online direkt zu(rück zu) den Quellenerwähnungen.

Ausblick

Im Zuge der zweiten Projektphase von duerer.online (DFG-gefördert bis 2026) werden weitere Quellen bereitgestellt und bearbeitet, doch auch alle bereits vorhandenen Inhalte und Funktionen der virtuellen Forschungsumgebung sind Work in Progress. Es werden nicht nur laufend neue Datensätze erfasst, auch bestehende werden sukzessive erweitert und inhaltlich miteinander in Beziehung gesetzt. Zu beachten ist also stets, dass zuweilen Zwischenschritte der Bearbeitung sichtbar sind, die nicht den letztgültigen Stand widerspiegeln.

Herzliche Einladung!

Tag 1 - 20.3.2024

13:00-13:10 Uhr: Begrüßung
13:10-13:20 Uhr: Einführung: Terminologien: Baustein für zukunftsfähige Daten (Alexander Faschon)
13:20-14:50 Uhr: Beiträge:

• Susanne Al-Eryani, Barbara Fichtl, Text+: Vorstellung der GND-Agentur Text+
• Katrin Moeller, NFDI4Memory: Geschichtswissenschaftliche Vokabulare: Ausgangslage, Bedarfsanalyse und Vorhaben
• Jakob Voß, Florian Thiery, Anja Gerber, NFDI4Objects: Terminologien in NFDI4Objects

14:50-14:55 Uhr: kleine Pause
14:55-15:35 Uhr: Breakouträume zu den Vorträgen
15:35-16:00 Uhr: Zusammenfassung und Ergebnisse

Tag 2 - 21.3.2024

13:00-13:10 Uhr: Begrüßung und Zusammenfassung von Tag 1
13:10-14:10 Uhr: Beiträge:

• Angela Kailus, NFDI4Culture: Terminologien in den Kulturwissenschaften: aktuelle Praxis, Herausforderungen, Weichenstellungen
• Roman Baum, BASE4NFDI Terminology Service

14:10-14:55 Uhr: Breakouträume zu den Vorträgen
14:55-15:00 Uhr: kleine Pause
15:00-15:20 Uhr: Zusammenführen der Ergebnisse (Tag 1 und 2)
15:20-16:00 Uhr: Abschlussdiskussion und Feedback

Hier finden Sie alle Informationen zur Veranstaltung: https://nfdi4culture.de/id/E5304

In dieser Folge spricht Jacqueline Klusik-Eckert mit Katrin Glinka und Kilian Heck über die tiefgreifenden Veränderungen und aktuellen Debatten, die digitale Technologien in der Kunstgeschichte hervorgerufen haben. Dabei diskutieren die Gäste die unterschiedlichen Ebenen der Digitalität in der Kunstgeschichte: vom Scannen der Werke bis hin zu konkreten Anwendungen computationeller Verfahren eröffnet sich ein breites Spektrum. Es zeigt sich einmal mehr, wie vielschichtig die Perspektiven auf das Digitale sind. 

Es wird betont, dass viele in der Kunstgeschichte digitale Technologien noch immer auf die Digitalisierung von Material reduzieren. Die Potentiale digitaler Methoden werden dabei kaum gesehen oder vorschnell abgeurteilt. Unterstützungssysteme im Bereich Information Retrieval, die zu einer steigenden Zugänglichkeit und Auffindbarkeit von Forschungsmaterial sorgen, werden unreflektiert angenommen. Dagegen werden unter vorgehaltender Hand empirisch-statistische Verfahren als intransparent und verflachend abgeurteilt. Einig ist man sich hingegen wieder, wenn es um das Einsatzgebiet Provenienzforschung geht.

Doch diese scheinbare Transparenz von etablierten Wissensspeichern muss hinsichtlich der historisch belasteten Beschreibungskategorien hinterfragt werden. Gleiches gilt für die Beschaffenheit der aktuell genutzten technischen Lösungen wie beispielsweise Sammlungsdatenbanken, die aktuell nicht vollumfänglich eine Vielfalt an Interpretationen und die Koexistenz von Widersprüchen ermöglichen.
Hinzu kommt noch, dass sich Kunstgeschichtlerinnen und Kunstgeschichtler mit einer zunehmenden Komplexität und Vielfalt von Bildmaterial konfrontiert sehen. Das verlangt eine Anpassung der etablierten Analysemethoden und den Mut, sich außerhalb der traditionellen Komfortzonen zu bewegen. Es wird dafür plädiert, auch Fehler zu akzeptieren und tradierte, vorurteilsbehaftete Wissenssysteme kritisch zu reflektieren. Die Diskussion unterstreicht zudem die Bedeutung einer bildwissenschaftlichen Kompetenz und die anhaltende Notwendigkeit, die Fähigkeiten im Umgang mit modernen, auch KI-generierten Bildern zu schärfen. Schließlich wird auf die Rolle digitaler Technologien bei der Sicherung von Kulturerbe eingegangen, was die Relevanz und Dringlichkeit einer fortlaufenden Anpassung und Erweiterung der kunstgeschichtlichen Methoden und Curricula unterstreicht.
 

Abschließend wird die Herausforderung der Förderung innovativer Projekte, die digitale Technologien nutzen, thematisiert. Es wird kritisiert, dass solche Projekte oft aufgrund mangelnder Förderlinien oder fehlendem Verständnis für digitale Ansätze abgelehnt werden. Trotz der Potenziale dieser Forschungsansätze bleibt die Akzeptanz und Integration in die klassische Kunstgeschichte eine Herausforderung. Ob dies auch einer (unbegründeten) Sorge um die eigene Daseinsberechtigung herrührt, muss unbeantwortet bleiben. Es ist im Gespräch jedoch deutlich geworden, dass gerade die Koexistenz klassischer und digitaler Methoden notwendig ist. Denn am Ende haben wir als Wissenschaftlerinnen und Wissenschafler doch das gleiche Ziel: Wissen schaffen.

Dr. des. Katrin Glinka ist Kulturwissenschaftlerin und aktuell Head of HCC Data Lab an der Freien Universität Berlin bei der Forschungsgruppe Human-Centered Computing (HCC). 

In ihrer Dissertation »Festgeschrieben« - Kulturtechnische Manifestationen musealer Sammlungsordnungen
und transformative Effekte digitaler Technologien. widmet sie sich den Wissensräumen unserer Sammlungen.

​​Prof. Dr. Kilian Heck ist Kunsthistoriker und hat den Lehrstuhl für Kunstgeschichte an der Universität Greifswald inne. Seine Forschungsschwerpunkte liegen in der europäischen Kunstgeschichte vom 16. bis ins 21. Jahrhundert, auf der Kunst nach 1800, insbesondere den Erscheinungen der Romantik im europäischen und transdisziplinären Vergleich.

Der Podcast kann man auf vielen Wegen hören. Der auf dieser Seite eingebundene Player ist nur einer davon. 

Die Folge ist mit persistentem Identifier im Repositorium heidICON abgelegt und kann nach Belieben heruntergeladen und nachgenutzt werden

unter https://doi.org/10.11588/heidicon/1738702

Man kann den Podcast aber auch gerne über die Plattform des Vertrauens hören. Folge einfach den Links auf den Icons.

Bei Fragen, Anregungen, Kritik und gerne auch Lob kannst du gerne per Mail an uns schicken unter

podcast@digitale-kunstgeschichte.de

Kunst und Fälschung. Aus dem Falschen das Richtige lernen
29. Februar bis 30. Juni 2024
Heidelberg, Kurpfälzisches Museum
Weitere Infos finden Sie auf der Homepage des Museums.

Ausgewählte Objekte der im Albrecht-Dürer-Haus gezeigten Einrichtungsgegenstände sind bereits jetzt in der virtuellen Forschungsumgebung duerer.online recherchierbar und werden laufend ergänzt. Das DFG-geförderte Forschungsprojekt ist eine Kooperation der Universitätsbibliothek Heidelberg mit den Museen der Stadt Nürnberg sowie der Albrecht-Dürer-Haus-Stiftung und befindet sich gerade in der zweiten Phase (2023-2026), die neben der Erschließung der Zeichnungen und Gemälde auch das Nachleben des Künstlers in den Blick nimmt.

Weiterführende Literatur in Auswahl

• Bauer, Heinrich und Höhn, Heinrich: Das Albrecht-Dürer-Haus in Nürnberg und seine Wiederherstellung im Dürer-Gedächtnisjahr 1928. Nürnberg 1929.
• Berninger, Ulrike: „Im Gepräge der Zeitperiode Dürers…“. Die Musealisierung des Albrecht-Dürer-Hauses durch den Künstler Friedrich Wilhelm Wanderer. In: Karl Möseneder (Hrsg.): Nürnberg als romantische Stadt. Beiträge zur Kunstgeschichte des 19. Jahrhunderts (= Schriftenreihe des Erlanger Instituts für Kunstgeschichte 1). Petersberg 2013, S. 83-101.
• Klein, Ulrich: Zur Forschungsgeschichte des Dürer-Hauses. In: G. Ulrich Großmann und Franz Sonnenberger (Hrsg.): Das Dürer-Haus. Neue Ergebnisse der Forschung (= Dürer-Forschungen 1). Nürnberg 2007, S. 99-120.
• Mende, Matthias: Museum Albrecht-Dürer-Haus Nürnberg (= Große Kunstführer 158). München/ Zürich 1989.
• Mende, Matthias: Das Dürerhaus in Nürnberg. Geschichte und Gegenwart in Ansichten von 1714 bis 1990. Nürnberg 1991.

1 Das Zitat Wanderers stammt aus einem Briefwechsel, der sich in den alten Aktenbeständen der Albrecht-Dürer-Haus-Stiftung erhaltenen hat. Diese geben auch Auskunft über die Renovierungsarbeiten (Stadtarchiv Nürnberg, E6/438 II, Nr. 12).

2 Zu Heideloff und dem Dürer-Haus vgl. u.a. Mende 1991, S. 16-22.

3 Vgl. Berninger 2013, S. 99.

4 Über die getroffenen Maßnahmen berichten die maßgeblich an Umbau und Neugestaltung beteiligten Heinrich Bauer und Heinrich Höhn. Vgl. Bauer/Höhn 1929. Unter den 1928 entfernten und verlorengegangenen Objekten befanden sich unter anderem mehrere Geweihleuchter, die von Wanderer nach Entwürfen Dürers zur Fertigung in Auftrag gegeben wurden. Vgl. hierzu Mende 1991, S. 41 und 47.

5 Siehe auch Altinventar des Albrecht-Dürer-Hauses, Stadtarchiv Nürnberg, E6/438 II Nr. 91, S. 40.

In dieser Folge spricht Jacqueline Klusik-Eckert mit Julian Stalter über die lange Geschichte der digitalen Kunst und die vielen Akteur*innen dieser Kunstgattung.

Die Digitale Kunst hat ihren Ursprung in den 1960er Jahren, als Künstler*innen begannen, Computer als kreatives Werkzeug zu nutzen. Der Durchbruch kam in den 1980er Jahren mit der Verbreitung personalisierter Computer und Software, die es Künstlern ermöglichten, digitale Medien als eigenständige künstlerische Ausdrucksform zu nutzen. Der Blick auf unterschiedliche Kunstwerke zeigt, wie eng die digitale Kunst auch mit der Technikgeschichte verbunden ist, sich aber auch von der Biologie inspiriert ist. Im Blogbeitrag zu dieser Folge findet man eine Liste aller genannter Künstlerinnen und Künstlern. Wo es möglich ist, wurden auch Aufzeichnungen der Werke als Links hinterlegt.
Digitale Kunstwerke gehen oft über die traditionelle visuelle Wahrnehmung hinaus und integrieren Klang, Bewegung und Interaktivität. In teils experimentellen Installationen werden die Grenzen der Sinneswahrnehmung ausgelotet. Viele der multidimensionalen Werke fordern nicht nur die kunsthistorische Analyse heraus, sondern werfen auch Fragen nach der Rolle des Publikums und der Interaktion in der Kunst auf.
Wichtige Institutionen, die sich mit Digitaler Kunst beschäftigen, sind das ZKM | Zentrum für Kunst und Medien in Karlsruhe, das sich auf die Schnittstelle von Kunst und Technologie konzentriert. Das Ars Electronica Center in Linz widmet sich der Förderung von Kunst und Technologie schon seit mehreren Jahrzehnten. Diese Institutionen und noch einige mehr spielen eine entscheidende Rolle bei der Dokumentation, Ausstellung und Erforschung digitaler Kunst und tragen dazu bei, ihre Anerkennung in der kunsthistorischen Landschaft zu fördern.

Trotz ihrer kulturellen Bedeutung und des Einflusses auf zeitgenössische Kunst sind digitale Kunstformen in den kunsthistorischen Lehrplänen oft unterrepräsentiert. Die Debatte darüber, warum diese Gattung in der akademischen Welt nicht ausreichend gewürdigt wird, kreist um Fragen der Materialität, der Zugänglichkeit und der fehlenden Tradition. Die Trennung zwischen Kunst und Technologie sowie die Schwierigkeiten bei der Bewahrung und Ausstellung digitaler Werke sind ebenfalls Themen, die in diesem Kontext diskutiert werden.

Julian Stalter M.A. ist Wissenschaftlicher Mitarbeiter im Projekt Reflection-based Artificial Intelligence in Art History, LMU München und beschäftigt sich in seiner Forschung mit Digitaler Kunst an der Schnittstelle von Naturnachahmung und Bio Art.

Der Podcast kann man auf vielen Wegen hören. Der auf dieser Seite eingebundene Player ist nur einer davon. 

Die Folge ist mit persistentem Identifier im Repositorium heidICON abgelegt und kann nach Belieben heruntergeladen und nachgenutzt werden

unter https://doi.org/10.11588/heidicon/1738702

Man kann den Podcast aber auch gerne über die Plattform des Vertrauens hören. Folge einfach den Links auf den Icons.

Bei Fragen, Anregungen, Kritik und gerne auch Lob kannst du gerne per Mail an uns schicken unter

podcast@digitale-kunstgeschichte.de

Nachdem Jacqueline Klusik-Eckert in der 10. Folge mit ihren Gästen den kunsthistorischen Blick auf die viel diskutierten Technologien Virtual Reality (VR) und Augmented Reality (AR) geworfen hat, soll nun die technische Perspektive eingenommen werden. Im Gespräch mit Mona Hess von der digitalen Denkmaltechnologie gibt es Einblicke in die technischen Verfahren von Räumen und Objekten.

Die technische Erfassung von Kulturgütern erfordert eine Vielzahl von Techniken, darunter aktive (Laserstrahl, Lichtmuster) und passive Sensoren (Kameras), sowie Methoden wie Photogrammetrie und Laserscanverfahren. Dabei werden Begriffe wie Geomatic Engineering, Reality Capture erklärt, und die Vorteile einer optischen, berührungsfreien Aufnahme bei der Erfassung von Räumen und Objekten erläutert.

Es zeigt sich dabei deutlich, dass es mit dem Scannen allein nicht getan ist. Neben der Nachbereitung der Daten gehört auch die Langzeitarchivierung zu den aktuellen Herausforderungen. Doch wo können diese vielseitigen Kompetenzen erlernt werden? Da der Bedarf an Fachleuten mit interdisziplinären Kompetenzen zwischen Ingenieurswissenschaften, Informatik, Naturwissenschaften, Materialwissenschaften und Kunstgeschichte stetig wächst, wurde ein eigener Masterstudiengang etabliert.

Insgesamt zeigt die Sonderfolge, dass die digitale Kunstgeschichte eine Brücke zwischen verschiedenen Fachrichtungen schlägt. Es wird deutlich, dass die Erfassung und Digitalisierung von Kulturgütern nicht nur kunsthistorisches Interesse bedient, sondern auch technische Innovationen vorantreibt. Der Blick auf die Herausforderungen der Datenverarbeitung und Langzeitarchivierung betont die Notwendigkeit, nicht nur die Erfassungstechniken zu beherrschen, sondern auch die umfassende Verarbeitung und Bewahrung der digitalen Daten im Blick zu haben.

Prof. Dr. Mona Hess ist Lehrstuhlinhaberin des Lehrstuhls für Digitale Denkmaltechnologien an der Universität Bamberg. In ihrer Forschung bewegt sie sich an der Schnittstelle von naturwissenschaftlichen Technologien und geisteswissenschaftlichen Fragestellungen.

Der Podcast kann man auf vielen Wegen hören. Der auf dieser Seite eingebundene Player ist nur einer davon. 

Die Folge ist mit persistentem Identifier im Repositorium heidICON abgelegt und kann nach Belieben heruntergeladen und nachgenutzt werden

unter https://doi.org/10.11588/heidicon/1738702

Man kann den Podcast aber auch gerne über die Plattform des Vertrauens hören. Folge einfach den Links auf den Icons.

Bei Fragen, Anregungen, Kritik und gerne auch Lob kannst du gerne per Mail an uns schicken unter

podcast@digitale-kunstgeschichte.de

Lehrstuhl Digitale Denkmaltechnlogie unter  https://www.uni-bamberg.de/ddt/

• mit dem Masterstudiengang https://www.uni-bamberg.de/ddt/studium/
• weitere Publikationen und Forschungsziele https://fis.uni-bamberg.de/entities/person/2f3db163-c75f-4fe2-a206-20bffb3202d7/details 

Die Publikation über das Kanu mit den Herausforderungen des Objekts findet sich unter folgendem Link https://discovery.ucl.ac.uk/id/eprint/1305320/

Webseite Arbeitskreis Digitale Kunstgeschichte
#arthistoCamp auf X (Twitter)

In dieser Folge spricht Jacqueline Klusik-Eckert mit Prof. Dr. Stephan Hoppe und Dr. Matteo Burioni über den Einsatz von Virtual Reality (VR) bei der Erforschung barocker Deckenmalerei.

Im Gespräch erhält man Einblick in die unterschiedlichen Abläufe und Kooperationen, die notwendig sind, um diese technischen Möglichkeiten für die Kunstgeschichte nutzbar zu machen. 

Die Unterhaltung beginnt mit der Grundlagenklärung, die den Begriffen wie Virtual Reality und Augmented Reality Raum gibt. Dabei wird deutlich, wie stark die Entwicklungen in der Kunstgeschichte auch mit der jüngsten Technikgeschichte zusammenhängen.

Die Diskussion vertieft sich, indem die Potenziale und Herausforderungen von VR/AR in der Kunstgeschichte ausgelotet werden. Die Vision, historische Schauplätze virtuell auf höchstem wissenschaftlichen Niveau zu erschließen und zugänglich zu machen, wird durch Forschungsprojekte wie dem Akademieprojekt Corpus der barocken Deckenmalerei in Deutschland (CbDD) erprobt. Dabei wird nicht nur die Möglichkeit der Vermittlung von Kunstgeschichte betont, sondern auch der Erkenntnisgewinn durch neue Perspektiven und Forschungsmöglichkeiten im virtuellen Raum. 

Die Episode wirft auch einen kritischen Blick auf die derzeitige Integration von VR/AR in die Standardpraxis kunsthistorischer Institute. Hierbei wird deutlich, dass trotz vielversprechender Ansätze und Forschungen noch ein erheblicher Weg bevorsteht, bis diese Technologien flächendeckend in der Lehre und Forschung verankert sind.

Der Höhepunkt des Gesprächs liegt in einem eindringlichen Appell: Die Kunstgeschichte muss enger mit Disziplinen wie Denkmaltechnologie, Archäologie und Informatik kooperieren. Nur so können die Entwicklung von VR/AR-Räumen und die Verantwortung für die Bewahrung des kulturellen Erbes vorangetrieben werden. Dabei wird betont, dass die Kunstgeschichte nicht nur von diesem Expertenwissen profitieren sollte, sondern auch als Treiber für innovative Entwicklungen fungieren kann.

Prof. Dr. Stephan Hoppe ist Professor für Kunstgeschichte mit Schwerpunkt Bayerische Geschichte an der Ludwigs-Maximilian Universität München, ordentliches Mitglied des Instituts für Bayerische Geschichte und Leiter des Gesamtprojektes sowie Vorsitzender des Projektausschusses des Corpus der barocken Deckenmalerei.

PD Dr. Matteo Burioni ist Projektkoordinator und Leiter der Arbeitsstelle München des Corpus der barocken Deckenmalerei in Deutschland) an der Ludwigs-Maximilian Universität München.

Der Podcast kann man auf vielen Wegen hören. Der auf dieser Seite eingebundene Player ist nur einer davon. 

Die Folge ist mit persistentem Identifier im Repositorium heidICON abgelegt und kann nach Belieben heruntergeladen und nachgenutzt werden

unter https://doi.org/10.11588/heidicon/1738702

Man kann den Podcast aber auch gerne über die Plattform des Vertrauens hören. Folge einfach den Links auf den Icons.

Bei Fragen, Anregungen, Kritik und gerne auch Lob kannst du gerne per Mail an uns schicken unter

podcast@digitale-kunstgeschichte.de

Aktuell stehen über Mozilla Hub einige erfasste Räume zur Verfügung. Auf der Projektseite findet man den Zugang zu den virutellen Räumen

deckenmalerei.badw.de/virtual-reality.html

Weitere Aufnahmen

Die im Rahmen des Corpus der barocken Deckenmalerei in Deutschland (CbDD) erstellten Fotografien zur barocken Decken- und Wandmalerei in ihrem architektonischen Kontext werden einerseits auf der Publikationsplattform des CbDDs eingebunden und angezeigt, zugleich aber auch im Bildportal des Deutschen Dokumentationszentrums für Kunstgeschichte – Bildarchiv Foto Marburg (DDK), dem Bildindex der Kunst und Architektur. 

Zum Bestand des Corpus der barocken Deckenmalerei im Bildindex der Kunst und Architektur

Weiterführende Literatur

Hoppe, Stephan, Locher, Hubert und Burioni, Matteo (Hrsg.): Digitale Raumdarstellung: Barocke Deckenmalerei und Virtual Reality, Heidelberg: arthistoricum.net-ART-Books, 2020 (Computing in Art and Architecture, Band 4).https://doi.org/10.11588/arthistoricum.774

In dieser Folge spricht Jacqueline Klusik-Eckert mit Harald Sack und Holger Simon über den Knowledge Graph und seine Bedeutung für die Kunstgeschichte. Schon jetzt finden sich viele Informationen über Kulturgüter und Geschichte digital im Netz. Datenbanken und Repositorien bieten zwar verstärkt Zugang zu Informationen, sind aber oft in isolierten Silos verstreut. Institutionen nutzen unterschiedliche Systeme zur Datenbereitstellung, was zu einer fragmentierten Landschaft führt. Meta-Datenbanken wie Europeana und die Deutsche Digitale Bibliothek versuchen, diese Fragmentierung zu überwinden, aber ihr Erfolg ist begrenzt. Es scheint, als bräuchten wir eine Meta-Meta-Datenbank, um diese Silos zu durchbrechen. Die Grundidee des Internets und das Konzept Linked Open Data (LOD) versprechen hier Abhilfe zu leisten.

Die Herausforderung besteht darin, dieses vernetzte Wissen digital abzubilden. Hier kommt der Knowledge Graph ins Spiel. Im Rahmen des NFDI4Culture Projekts entsteht ein solcher Wissensgraph, über den ich mit Harald Sack und Holger Simon spreche. Wir diskutieren das Konzept hinter dem Wissensgraphen und seine Vision. Wir erkunden die Hürden jenseits der reinen Technik und fragen uns, ob die Kunstgeschichte bereit ist für ein offenes, vernetztes Wissen oder ob es dabei eher zu einer Wissenskluft kommt, weil gewisse digitale Kompetenzen nicht vermittelt werden. Abfragesprachen wie SPARQL spielen eine entscheidende Rolle bei der Datenabfrage im Knowledge Graph.

Während in anderen Bereichen die Technologie des Knowledge Graphs schon länger im Einsatz ist – Google hat seit 2012 einen solchen Graphen etabliert –, befindet sich die Kunstgeschichte möglicherweise noch am Anfang dieser Entwicklung. GLAM-Institutionen (Galleries, Libraries, Archives, Museums) haben eine wichtige Rolle bei der Datenbereitstellung, müssen aber auch Anreize für den Austausch schaffen und erhalten.

Für die Forschung eröffnet der Knowledge Graph neue Horizonte. Er ermöglicht nicht nur andere Fragestellungen und Visualisierungen von Datenmassen, sondern auch eine komplexere Anreicherung von Museumsinformationen. Aber letztendlich gewinnt der Mensch durch die Erkenntnisse, die aus diesen Daten gezogen werden.

Von der Modellierung im Graphen bei der Digitalisierung bis hin zur Unterstützung durch die NFDI gibt es verschiedene Wege, sich einzubringen. Doch letztendlich liegt die Herausforderung darin, wie wir als Gemeinschaft von Forschenden und Kulturerbebewahrenden diese komplexe Datenlandschaft gemeinsam gestalten und nutzen können.

Prof. Dr. Harald Sack ist Bereichsleiter für Information Service Engineering bei FIZ Karlsruhe – Leibniz-Institut für Informationsinfrastruktur und Professor am Karlsruher Institut für Technologie (KIT), Institut für Angewandte Informatik und Formale Beschreibungsverfahren (AIFB) mit der Forschungsgruppe „Information Service Engineering“ sowie NFDI4Culture Co-Spockesperson von FIU Karlsruhe.

Prof. Dr. Holger Simon ist Sprecher im AK Digitale Kunstgeschichte, Geschäftsführer der Pausanio GmbH & Co. KG. Er ist darünber hinaus außerplanmäßiger Professor an der Universität zu Köln und im Culture Steering Board NFDI4Culture. 

Der Culture Knowledge Graph hat zum Ziel, eine Verbindung zwischen allen Forschungsdaten herzustellen, die in den NFDI4Culture Fachgebieten erzeugt werden.

Der Culture Knowledge Graph hat zum Ziel, eine Verbindung zwischen allen Forschungsdaten herzustellen, die in den NFDI4Culture Fachgebieten erzeugt werden, um so die Auffindbarkeit, Zugänglichkeit, Interoperabilität und Wiederverwendbarkeit von Kulturerbe-Daten innerhalb der 4Culture Domäne zu verbessern. Als zentraler Zugangspunkt vernetzt der Culture Knowledge Graph von NFDI4Culture selbst erzeugte Daten mit solchen, die von den adressierten Forschungsgemeinschaften als vollwertige Linked Open Data oder als auf Grundlage des Culture Graph Interchange Format (CGIF) strukturierte Daten bereitgestellt werden. Wir verwenden sowohl anerkannte W3C Standardtechnologien und standardisierte Metadatenformate, die bereits in der Culture Community Anwendung finden, als auch die NFDIcore Ontology, die basierend auf den Bedürfnissen der Konsortien der Nationalen Forschungsdateninfrastruktur (NFDI) entwickelt wurde (siehe Knowledge Graph-basierte Forschungsdatenintegration in NFDI4Culture).

Startseite mit Einführung und Linkliste: https://nfdi4culture.de/de/dienste/details/culture-knowledge-graph.html

Auf der eLearning-Plattform stellt Harald Sack einen Kurs über das Thema zur Verfügung. Dieser kann im Selbststudium absolviert werden.

Kurs Knowledge Graphs - Foundations and Applications unter https://open.hpi.de/courses/knowledgegraphs2023 

Die Videos sind auch auf Youtube in einer Playlist veröffentlicht worden

 https://youtube.com/playlist?list=PLNXdQl4kBgzubTOfY5cbtxZCgg9UTe-uF&si=HjlBFJ1LhW4IlqCt

Diese modernen Bindungen der historischen Druckbögen werden in der Ausstellung durch eine großzügige Leihgabe des Deutschen Buch- und Schriftmuseums Leipzig ergänzt. Dabei handelt es sich um eine der wenigen »Song of Myself«-Bindungen, die 1923 noch in Weimar angefertigt wurden. Als Urheberin dieses kunstvollen Handeinbands in grünem Bast konnte Anny Wottitz (1900–1945) identifiziert werden, die 1919 im Gefolge von Johannes Itten an das Bauhaus in Weimar kam. Hier leitete sie in der Nachfolge Dorfners in der Zeit von September 1922 bis Mai 1923 die Buchbindewerkstatt, bevor sie 1939 als Jüdin vor den Nationalsozialisten fliehen musste und nach Palästina emigrierte, wo sie kurze Zeit nach Ende des Zweiten Weltkriegs starb. Neben dem in der Ausstellung gezeigten Exemplar sind nur zwei weitere Whitman-Ausgaben mit ihrem Einband in Deutschland bekannt, die heute im Bauhaus-Archiv Berlin und in der Bibliothek des Jüdischen Museums Berlin verwahrt werden.

Anhand der Ausstellung in Weimar lassen sich daher nicht nur die Rezeptionsgeschichte Whitmans, sondern auch die unterschiedlichen buchkünstlerischen Positionen der Jahre 1923 und 2023 im unmittelbaren Vergleich miteinander nachvollziehen.

Allen, Ann Taylor: Satire and Society. Kladderadatsch and Simplicissimus 1890–1914, Lexington 1984.

Bösch, Frank: Öffentliche Geheimnisse. Skandale, Politik und Medien in Deutschland und Großbritannien 1880–1914 (Veröffentlichungen des Historischen Instituts London, Bd. 65), München 2009.

Domeier, Norman: The Homosexual Scare and the Masculinization of German Politics before World War I, in: Central European History 47 (4) 2014, S. 737–759.

Stark, Gary D.: Aroused Authorities. State Efforts to Regulate Sex and Smut in the German Mass Media 1880–1930, in: Not Straight from Germany. Sexual Publics and Sexual Citizenship since Magnus Hirschfeld, hg. von Michael Thomas Taylor, Annette F. Timm und Rainer Herrn (Social History, Popular Culture, and Politics in Germany), Ann Arbor 2017, S. 110–132.

Steakley, James: Die Freunde des Kaisers. Die Eulenburg-Affäre im Spiegel zeitgenössischer Karikaturen (Bibliothek Rosa Winkel, Bd. 37), Hamburg 2004.

Tumber, Howard/Waisbord, Silvio: Media and Scandal, in: The Routledge Companion to Media and Scandal, hg. von denselben, London/New York 2019, S. 10–21.

In dieser Folge spricht Jacqueline Klusik-Eckert mit Dr. Dr. Grischka Petri über die vielen unterschiedlichen Rechtsverhältnisse in der Kunstgeschichte und dem digitalen Raum. In einem lockeren Rechtsgespräch erhält man einen Überblick über den Blumenstrauß an Rechtsformen, mit denen man in Berührung kommt, wenn es um die Erforschung des kulturellen Erbes geht. Petri plädiert dafür, die Bild- und Urheberrechte 

 als Mitspracherechte zu verstehen. Die Forschenden kennen sich immer besser aus und wissen um die Knackpunkte. Doch die Rechtsformen ändern sich stetig weiter. Dabei schöpft er anekdotenreich aus einem großen Fundus von Praxisbeispielen. Dabei kommen Candida Höflers Fotografien von Rodin ebenso zur Sprache wie die von generativen Modellen erstellten Bilder. Wie ist unser Umgang mit den Urheberrechten bei künstlerischen Aufnahmen von gemeinfreien Werken? Und wo stehen wir gerade in der KI-Recht-Debatte? Aktuell fällt der Output von generativen Modellen noch aus dem Werkschutz heraus. Doch das könnte sich mit einem steigenden Verständnis der Verfahren auch ändern.

Im Gespräch geht es auch um die rechtlichen Rahmenbedingungen für datengetriebene Forschung. Was ist bei der Beschaffung von großen Datenmengen noch erlaubt? Und welche Möglichkeiten der Publikation von Daten hat man, wenn sie einem nicht gehören?

Der digitale Raum hat neue Spielformen von Bildern zutage gebracht. Während auf der einen Seite das Remixen und eben nicht auf ein Original reduzierte spannende, virale Kulturphänomene entstehen lässt, wächst das Interesse an einer Zertifizierung durch Blockchain-Technologie. Was sind die aktuellen Trends und welche Rolle spielt dabei Kunstmarkt?

Neben den übergeordneten Debatten geht es auch immer wieder um die Eigenverantwortung als Wissenschaftler*in. Neben einem wissenden Umgang mit Bildern und Daten von sammelnden Institutionen liegt es doch an, wie zugänglich und rechtlich offen die eigenen Forschungsergebnisse zur Verfügung gestellt werden.

Priv. Doz. Dr. Dr. Grischka Petri ist bei FIZ Karlsruhe und dort Mitarbeiter am Legal Help Desk von NFDI4Culture sowie Privatdozent für Kunstgeschichte an der Universität Bonn. Er beschäftigt sich schon lange mit Immaterialgüterrecht in verteilten Informationsinfrastrukturen in seinem Forschungsschwerpunkt über das Verhältnis von Recht und Kultur.

Gesetz über Urheberrecht und verwandte Schutzrechte https://www.gesetze-im-internet.de/urhg/

§ 38 Beiträge zu Sammlungen https://www.gesetze-im-internet.de/urhg/__38.html 

§ 60d Text und Data Mining für Zwecke der wissenschaftlichen Forschung https://www.gesetze-im-internet.de/urhg/__60d.html 

§ 68 Vervielfältigungen gemeinfreier visueller Werke https://www.gesetze-im-internet.de/urhg/__68.html 

§ 72 Lichtbilder https://www.gesetze-im-internet.de/urhg/__72.html 

Handreichung

Fischer, Veronika / Petri, Grischka; Bildrechte in der kunsthistorischen Praxis – ein Leitfaden. - Zweite, überarbeitete und erweiterte Auflage 2022. 104 Seiten PDF (826kB)
DOI: 10.11588/artdok.00007769
Lizenz: CC BY-NC-SA 4.0

Informationsblog irights.info - Urheberrecht und kreatives Schaffen in einer digitalen Welt

irights.info

Petri, Grischka: Kunsthistorische Publikationen und Bildrechte zwischen dem BGH-Urteil zu Museumsfotos (2018) und der Umsetzung der Richtlinie (EU) 2019/790, in: Effinger, Maria und Kohle, Hubertus (Hrsg.): Die Zukunft des kunsthistorischen Publizierens, Heidelberg: arthistoricum.net, 2021, S. 65-77. Unter https://doi.org/10.11588/arthistoricum.663.c10510

Petri, Grischka / Fischer, Veronika: Bildrechte in der kunsthistorischen Praxis – ein Leitfaden, zweite, überarbeitete und erweiterte Auflage, 2022, 10.11588/artdok.00007769

Creative Commons Lizenzen https://creativecommons.org/licenses/?lang=de

Petri, Grischka: The Public Domain vs. the Museum: The Limits of Copyright and Reproductions of Two-dimensional Works of Art. In: Journal of Conservation and Museum Studies, 12 (1), 2014, p.Art.8, http://doi.org/10.5334/jcms.1021217

Klimpel, P., Rack. F. (2020): Reproduktion und urheberrechtlicher Schutz: Vervielfältigung, Lichtbildschutz und Gemeinfreiheit - Was gilt bisher, was wird gelten?, in: de la Durantaye et. all (Hrsg.): Recht und Zugang, 2020/2, ISSN 2699-1284, S. 243-257. Unter https://doi.org/10.5771/2699-1284-2020-2-113

Klimpel, P. (2020): Kulturelles Erbe digital - Eine kleine Rechtsfibel, DigiS Forschung- und Kompetenzzentrum Digitalisierung (Hrsg.), August 2020, ISBN 978-3-752987-64-5. https://doi.org/10.12752/2.0.004.0

Zielgruppe sind studierende und graduierte Kunstwissenschaftler/-innen in allen Karrierestufen.

Die  Veranstaltung wird durchgeführt von Dr. Maria Effinger (Universitätsbibliothek Heidelberg / arthistoricum.net / NFDI4Culture) und PD Dr. Dr. Grischka Petri (FIZ Karlsruhe / NFDI4Culture), die Moderation übernimmt Dr. Lisa Dieckmann (Universität Köln / prometheus e.V. / NFDI4Culture).

Informationsveranstaltung
Dienstag, 21. November 2023
10:00–12:00 Uhr, online via Zoom
Eine Anmeldung ist nicht erforderlich.

Über die Webseite des Deutschen Verband für Kunstgeschichte erhalten Sie weitere Informationen zur Veranstaltung sowie die nötigen Zugangsdaten. Außerdem besteht die Möglichkeit, vorab Ihre persönlichen Fragen den Veranstaltern mitzuteilen.

Bätschmann, Oskar (Bearb.): Schreibkunst. Schulkunst und Volkskunst in der deutsch-sprachigen Schweiz 1548–1980, Ausstellung des Kunstgewerbemuseum der Stadt Zürich, 13. Juni bis 30. August 1981 und Gutenberg-Museum Mainz, 15. September bis 25. Oktober 1981, Zürich 1981.

Linke, Oliver/ Sauer, Christine: Zierlich schreiben. Der Schreibmeister Johann Neudörffer d. Ä. und seine Nachfolger in Nürnberg, Nürnberg 2007.

Roth, Michael (Hrsg.): Schrift als Bild, Ausstellung des Kupferstichkabinetts der Staatlichen Museen zu Berlin, 29. Oktober 2010 bis 23. Januar 2011, Petersberg 2010.

Schemmel, Bernhard: Auserlesene Schrift-Bilder. Zu einer Sammlung von Schreibmeisterblättern der Staatsbibliothek Bamberg, in: Arnim, Manfred von (Hrsg.): Festschrift Otto Schäfer zum 75. Geburtstag am 29. Juni 1987, Stuttgart 1987, S. 131–161.

Themenportal: Aus der Sammlung des Kunstgelehrten Joseph Heller

In dieser Folge spricht Jacqueline Klusik-Eckert mit Dr. Fabian Offert über AI Art im Allgemeinen, wie sich das Genre mit den neuen Bildgeneratoren jüngst verändert hat und die dahinterliegenden KI-Verfahren. Dabei beleuchten sie schlaglichtartig die historischen Entwicklungen und die Herausforderungen für die Kunstgeschichte im Umgang mit den neuen Bildmedien.

Schon lange vor der Veröffentlichung von Dall-E oder Midjourney nutzen Künstler*innen die Verfahren von Machine Learning und später Neuronalen Netzen bis zu generativen Modellen. Der Überbegriff AI Art umfasst Kunstwerke, die mithilfe von künstlicher Intelligenz und speziellen Algorithmen erstellt oder beeinflusst werden, wobei die Technologie entweder als Werkzeug für Künstler*innen dient oder autonom Kunstwerke generiert. Es umfasst eine breite Palette von Ausdrucksformen, die von algorithmisch gesteuerten Designs bis hin zu Werken reichen, die vollständig von KI-Systemen erzeugt werden. Das Genre ist aufgrund der heterogenen Werklage schwierig zu fassen. 

Doch mit dem öffentlichen Zugang zu den Verfahren über einfach zu bedienende Interfaces hat sich nicht nur das Genre AI Art geändert. Die neuen Bildgeneratoren lassen uns alle zu Künstler*innen werden: mit einem Prompt, einer Texteingabe an ein KI-System, werden Rechenprozesse angestoßen und neue Bilder generiert. Sie entstehen jedoch nicht in einem Vakuum, sondern sind Ergebnisse von Lernprozessen mit Millionen eingespeister Bilder. In dem Gespräch wird der Frage nachgegangen, wie wir mit diesen neuen Bildmedien in der Kunstgeschichte umgehen können. Was ist notwendig, um die dahinterliegenden Prozesse zu verstehen? Wie geht man beispielsweise mit Fragen des geistigen Eigentums um, wenn KI-Systeme von bestehenden Kunstwerken lernen? Und was hat die Mona Lisa damit zu tun? Wie beeinflusst die Verbreitung von ki-generierter Kunst den Kunstmarkt? Neben ethischen und rechtlichen Bedenken geht es aber auch um die Beziehung von Künstler*innen, Werk und Technik. Dabei wird klar, dass wir sowohl im bildwissenschaftlichen als auch gesellschaftlichen Diskurs mitten in einer Verhandlungsphase stecken. Wie gehen wir mit der Black Box Künstliche Intelligenz um? Was macht dieser neue Kanon und die versteckte, implizite Zensur hinter den Unser-Interfaces mit der Art uns Weise, wie wir diese Bilder verwenden und die Welt sehen? Es zeigt sich, dass vorherrschende Vorurteile durch die KI-Systeme verstärkt werden. Dabei wird auch deutlich, welche Verantwortung die Kunstgeschichte nun hat, die aktuelle Debatten mitzuführen. 

Dr. Fabian Offert ist Assistant Professor in History and Theory of Digital Humanities an der University of California, Santa Barbara. In seiner Forschung beschäftigt er sich schon lange mit den Wechselverhältnissen von Medien- und Kulturtheorie, Künstlicher Intelligenz und dem Einsatz von Computer Vision in den Geisteswissenschaften.

• Helena Sarin

• Anna Ridler (geb. 1985): Myriad (Tulips), 2018

• Obvious: Portrait of Edmond de Belamy, 2018

• Kate Crawford, Trevor Paglen: ImageNet Roulette, 2019

• Google DeepDream

• IMAGE The Interdisciplinary Journal of Image Sciences 37 (2023), H. 1, unter https://image-journal.de/category/ausgaben/image-37-2023/ 
• Richard Groß, Rita Jordan (Hrsg.): KI-Realitäten. Modelle, Praktiken und Topologien maschinellen Lernens. Bielefeld 2023, https://doi.org/10.14361/9783839466605 
• Leonardo Impett, Fabian Offert: There Is a Digital Art History. arXiv 14.08.2023, unter https://doi.org/10.48550/arXiv.2308.07464 
• Merzmensch: KI-Kunst (Digitale Bildkulturen). Berlin 2023.

In dieser Folge spricht Jacqueline Klusik-Eckert mit Angela Kailus M.A. und Julia Rössel M.A. über die Rolle von Normdaten in der kunsthistorischen Forschung und Praxis. Der Ursprung von Normdaten hängt mit einem bibliothekarischen Systematisierungsbestrebungen in den 1970er Jahren zusammen. Wie hat sich der Umgang und die Konzepte von Normdaten im Zuge der Digitalisierung verändert? Mit einem Blick hinter die Kulissen der Gemeinsamen Normdatei (kurz GND) werden die Zusammenhänge von Identifikationsnummer und den dahinterliegenden Informationen erklärt. Welchen Mehrwert für die eigenen Daten erzielt man durch die Verwendung von Normdaten? Für welche Begriffe bzw. Entitäten gibt es Normdaten? Wo findet man sie? Woher kommt dieses Wissen und wie muss man mit dem Normdatensatz umgehen? Wir sprechen auch über den Unterschied eines institutionell gepflegten und autorisierten Normdatensatzes (GND über die Deutsche Nationalbibliothek) im Vergleich zu crowd-based Normdatensätzen (Wikidata).

Darüber hinaus stellt sich die Frage, inwieweit die Verwendung von Normdaten bereits Einzug in das Fach Kunstgeschichte gehalten hat. 

Wir beleuchten die Herausforderung für sammelnde Institutionen bei der Erfassung von Objekten und der Anreicherung der Sammlungsdaten mit Normdaten. Welche Standards helfen bei der Erfassung und wofür soll man den Aufwand mit Normdaten überhaupt betreiben?

Dabei nehmen wir unterschiedliche Szenarien im Datenlebenszyklus unter die Lupe. 

Wo begegnen wir als Forscher*innen diesen Daten, wie können wir sie nachnutzen und welche Verantwortung haben wir selbst als Produzent*innen von Forschungsdaten, wenn es um die Anreicherung der eigenen Daten mit Normdaten geht? 

Angela Kailus M.A. ist stellvertretende Leiterin des Deutschen Dokumentationszentrums für Kunstgeschichte – Bildarchiv Foto Marburg, Philipps-Universität Marburg und Ansprechperson bei NFDI4Culture im Arbeitsbereich Standardisierung und Datenqualität.

https://orcid.org/0000-0003-1514-2258 

Julia Rössel M.A. ist Kunsthistorikerin und Mitarbeiterin an der Deutschen DigitalenBibliothek, Fachstelle Denkmalpflege, DDK, Marburg. Neben ihrer Promotion über “Wechsel der Mediensysteme – Graphische Sammlung und ihre digitale Übersetzung” hat sie sich in den Bereichen Digitalisierung und Museum, Datenqualität und Standards spezialisiert.

https://orcid.org/0000-0002-5561-9674 

• Jens-Martin Loebel, Carolin Hahn: Normdaten – Was sie können, wo du sie findest, Digitale Wissenschaft, 02.07.2018, https://digitale-wissenschaft.de/wissensblog/normdaten-was-sie-koennen-wo-du-sie-findest/ 
• Melanie Gruß, Desiree Mayer: Was sind Normdaten? (Webinar), Hrsg. von NFDI4Culture und SLUB Dresden. 2023, https://doi.org/10.5446/60986
• Barbara Fischer, Chantal Köppl: Die gemeinsame Normdatei. Normdaten für Kultur und Forschung. Hrsg. von der Deutschen Nationalbibliothek. 28.01.2022, https://youtu.be/6zb_eIOUJ-M 

Jacqueline Klusik-Eckert spricht mit Dr. Heike Messemer, Center for Open Digital Innovation and Participation (CODIP) der Technischen Universität Dresden, über die Geschichte der 3D-Rekonstruktionen von Architektur und Platzanlagen. Dabei geht es genauso um die technischen Herausforderungen im Wandel der Zeit wie um die Frage nach der Akzeptanz der 3D-Modelle als neue Bildmedien in der Kunstgeschichte.

Was macht eine wissenschaftliche 3D-Rekonstruktion aus? Wie sieht es mit der Nachvollziehbarkeit von Thesen oder Unsicherheiten aus? Kann ich einer Visualisierung vertrauen, wenn sie „aufgehübscht“ wurde?

Der Mehrwert für eine interdisziplinär angelegte Forschung ist nicht von der Hand zu weisen. Können doch an den virtuellen Modellen unterschiedlichste Simulationen durchgeführt werden, um Thesen zu prüfen oder Hypothesen zu entwickeln. Auch die Nachnutzungsszenarien sind vielseitig. Und doch werden nur wenige 3D-Rekonstruktionen im Sinne einer guten wissenschaftlichen Praxis veröffentlicht. Welche Hürden es für die Publikation dieser besonderen Datenarten gibt, wird ebenfalls diskutiert. 

Viele der in der Diskussion angesprochenen Projekte sind heute nur schwer zugänglich. Neben Screenshots aus Publikationen oder irgendwo im Netz wiedergefundenen Versatzstücke erhält man leider meist nur eine Idee von den 3D-Modellen.

In Heike Messemers Dissertation gibt es eine Auflistung älterer Projekte mit publizierter Literatur: 

https://doi.org/10.11588/arthistoricum.516

Eine Arbeitsgruppe der Digital Humanities im deutschsprachigen Raum e.V.

Das Feld der 3D-Modelle, ob nun rekonstruiert oder gescannt, liegt zwischen den Fachgrenzen. Gerade im Bezug auf eine Standardisierung von Erhebungspraktiken  und Veröffentlichungsarten sind einige Aspekte noch in der Aushandlung. Die Arbeitsgruppe Digitale 3D-Rekonstruktion hat das vorrangige Ziel die Akteure im deutschsprachigen Raum zusammenzubringen, um sich den Fragen der Begriffsklärung und Arbeitsmethodik sowie der Dokumentation und Langzeitarchivierung von digitalen Rekonstruktionsprojekten zu widmen.

https://digitale-rekonstruktion.info/

Kuroczyński, Piotr et al. (Hrsg.): Der Modelle Tugend 2.0: digitale 3D-Rekonstruktion als virtueller Raum der architekturhistorischen Forschung (Computing in Art and Architecture 2). Heidelberg 2019, https://doi.org/10.11588/arthistoricum.515 

Messemer, Heike: Digitale 3D-Modelle historischer Architektur: Entwicklung, Potentiale und Analyse eines neuen Bildmediums aus kunsthistorischer Perspektive (Computing in Art and Architecture 3). Heidelberg 2020, https://doi.org/10.11588/arthistoricum.516 

Messemer, Heike / Clados, Christiane: 3D-Rekonstruktion als Werkzeug der Quellenreflexion. In: Schöch, Christof (Hrsg.): DHd 2020. Spielräume. Digital Humanities zwischen Modellierung und Interpretation. 7. Jahrestagung des Verbands Digital Humanities im deutschsprachigen Raum. Paderborn 2020, S. 123-126, https://zenodo.org/record/3666690

Hoppe, Stephan et al. (Hg.), Digitale Raumdarstellung (Computing in Art and Architecture 4), Heidelberg 2020, https://doi.org/10.11588/arthistoricum.774