Warum?

Von den Museen kann ich erwarten, dass sie ein gutes – gerne hervorragendes – Bild von den Objekten machen. Wir können aber nicht erwarten, dass Museen eine vollständige Dokumentation leisten. Nicht wenige Museen haben mit Präsenzsammlung und Depot mehrere 1.000, z.T. weit über 50.000 Einzelobjekte. Die alle zu fotografieren wäre schon eine Leistung, die aber auch noch ausgiebig zu dokumentieren nicht. Das ist auch nicht nur ein finanzielles Problem.

Hinzu kommt das Projekte wie http://www.artigo.org/ nachgewiesen haben, dass die Crowd spielerisch schneller und mehr sinnvolle Metainformationen zur Beschreibung von Bildern leisten kann, also die Dokumentare in den Museen, deren Begriffe und Vokabular zumeist auch noch aus alten - mittlerweile historisch zu nennenden - Thesauri gespeist werden wie Iconclass, die an einigen Stellen wenig mit unserer Sprache heute zu tun haben.

Damit ich hier nicht gleich falsch vertanden werde: Eine ordentliche Dokumentation und Einbindung von Thesauri ist wichtig und gut, aber nicht das Ende der Fahnenstange. Das Ziel einer Dokumentation ist doch die Erschließung und – für Objektdatenbanken - die Recherchierbarkeit von Objekten. Hier sind Crowd und Suchmachinenoptimierung nicht nur hilfreich, sondern auch einfach besser.

Ich weiß, dass ich hier als Kunsthistoriker an dem Selbstwertgefühl der eigenen Zunft kratze. Es geht aber ganz pragmatisch darum, dass ich es wünschenswert finde und es auch der primäre Auftrag von öffentlichen Sammlungen ist, das kulturelle Erbe allen zugänglich zu machen.

Dokumentare und Kuratoren haben hier eine sehr wichtige Funktion: Das Objekt aus seiner Verborgenheit zu heben. Dazu gehört ein Bild und die rudimentären, zu dieser Zeit bekannten Metadaten. Ab dann gilt es die Objekte zugänglich zu machen und Interessierte, WissenschaftlerInnen und alle Freunde und Freundinnen der Kunst und Kultur wie Ameisen an die Kunstwerke zu lassen, um sie gemeinsam zu erforschen und die Metadaten schrittweise anzureichern und zu verbessern.

Kurz gesagt:

Der Dokumentar und Kurator hat damit die Aufgabe das Objekt überhaupt sichtbar zu machen, sie sind sozusagen die Schatzsucher, wir alle haben die Aufgabe das Objekt zu interpretieren und zu erschließen und sind die vielen fleißigen Ameisen die begeistert sind von Kunst und Kultur. Ist das nicht ein mögliche und sinnvolle Aufgabenteilung?

Hervorragend, dass es heute doch Datenbanken und Internet gibt. Dann wollen wir die Museen doch alle darin ermutigen ihre Datenbanken öffentlich zu machen und im Sinne von Swantje Karichs Artikel in der FAZ zu fordern „Museen, nehmt euch das Netz!“ ( http://www.faz.net/aktuell/feuilleton/kunst/zukunft-der-museen-nehmt-euch-das-netz-12073119.html )

In der hiesigen Informatik der FU Berlin beschäftigen wir uns seit bald 10 Jahren mit Technologien des Semantic Web. Es war interessant, zu sehen wie sich die Fragen die wir aus technischer Sicht und im Hinblick auf Informationssysteme stellen, in ganz anderem Kontext aber dennoch ähnlich für Sammlungen und Museen ergeben. Während wir Ordnungssysteme verwenden um z.B. virtuelle Datenspeicherung zu optimieren, haben Klassifikationen in Bibliotheken die physische Konsequenz des Regalplatzes eines Buches.

Einige der Grundüberlegungen bei der Erstellung von Klassifikationen und Ontologien im Semantic Web fanden sich als Desiderat oder neue Feststellung in den Diskussionen wieder. Vielleicht ist es nützlich sie erneut explizit zu benennen und in den Kontext des Umgangs mit Klassifikationen und Daten in der Digitalen Kunstgeschichte zu stellen. Der Web-Erfinder Tim Berners-Lee hat verschiedene Prinzipien für den Aufbau von Linked Data genannt .

Use URIs as names for things
Use HTTP URIs so that people can look up those names.

Damit ist gemeint dass alles durch elektronisch auflösbare Netzbezeichner - die vom Web bekannten URLs - benannt wird. Dies betrifft auch physische Artefakte wie sie in einer Sammlung auftreten. Das was bislang eine Inventarnummer war soll also zu einem Netzbezeichner werden. Dies ist leicht möglich: ein intern eindeutiger Bezeichner wird an eine URLs der Institution angehängt.

Mit diesem simplen Vorgang trennt man z.B. Klassifikation und Standort. Beide können getrennt voneinander notiert werden indem sie sich auf die URL beziehen. Die in einer Klassifikation definierten Klassen benötigen eine URL, also z.B. " http://rzbvm001.uni-regensburg.de/sepp/rvko_neu/mytree.phtml?nt_s=LE+5121 hat den Namen 'Plastik'". Die Aussage "http://xyz.museum/sammlung/234.21.2 ist eine http://rzbvm001.uni-regensburg.de/sepp/rvko_neu/mytree.phtml?nt_s=LE+5121 " lässt sich nun notieren, aber natürlich auch "http://xyz.museum/sammlung/234.21.2 befindet sich im Raum ‍xyz.museum/raeume/1024" .

So kann man also Klassifikation und Standort leicht trennen. Auch die auf der Veranstaltung angesprochene Versionierungsproblematik bei sich ändernden Klassifikationen lässt sich lösen. Dazu müssen die URLs persistent sein, sich also nicht ändern. Eine geänderte Klassifikation erzeugt also neue URLs und gleichzeitig muss die Änderung selber als Beziehung zwischen alter und neuer URL notiert sein.

Schließlich ermöglicht diese Trennung auch die Existenz mehrerer Klassifikationen kollisionsfrei. Niemand ist gehindert, gleichzeitig zu notieren: "http://xyz.museum/sammlung/234.21.2 ist eine meine.klassifikation.de/skulptur" .

In den Sprachen des Semantic Web wird immer von mehreren Klassifikationen ausgegangen, deren Klassen mit dem Element "sameClassAs" als identisch markiert werden können. Und dies kann auch nachträglich an anderer Stelle notiert sein. An die Stelle einer exklusiven umfassenden Klassifikation tritt also die Integration vieler vorhandener und sich überlappender Klassifikationen. Technisch gilt die "open world assumption": Neben dem was man selber aussagt oder sieht können weitere Aussagen in der Welt existieren.

When someone looks up a URI, provide useful information, using the standards (RDF*, SPARQL)

Das bedeutet dass über die URLs etwas für Menschen und Maschinen Nützliches abrufbar sein soll. Für Maschinen wäre dies z.B. ein verarbeitbarer Datensatz; für Menschen vielleicht eine Abbildung einer Skulptur oder eine textuelle Beschreibung des Konzepts der Klassifikation. Es genügt also nicht etwa, sich auf eine Klassifikation zu verständigen und diese dann als PDF Dokument ins Netz zu stellen.  Je offener und verarbeitbarer man die Klassifikation in dieser Hinsicht verteilt, umso stärker tritt ein Netzwerkeffekt ein. Je mehr eine Klassifikation verwendet wird, umso höher ist der Anreiz zu ihrer Verwendung. Und je öfter sie benutzt wird umso wertvoller ist eine Klassifikation. Die auf der Tagung aufgeworfene Frage nach Schutzmöglichkeiten für Taxonomien deutet somit in die falsche Richtung.

Weiterhin betont die Empfehlung die Verwendung von Standards. Diese liegen mittlerweile als ausdrucksmächtige Sprachen vor. Es ist kaum notwendig, eigene XML-Dialekte zu erfinden um Daten herauszugeben. Die Definition eines eigenen Formats ergibt vielmehr "bewegliche Datensilos" bei denen zu befürchten ist dass sie lediglich dem Import in andere Datensilos dienen. An die Stelle eines Exportformats sollte eine Programmierschnittstelle treten 

Include links to other URIs. so that they can discover more things.

Diese Empfehlung ist der Kern der Vernetzungsidee im Web und nun auch im Web der Daten. Die angesprochenen Datensilos entziehen sich der Verlinkung indem sie keine auflösbaren URLs verwenden und selber keine Verweise enthalten. Der Datenbestand wird aber dann wertvoll wenn er verlinkt werden kann. Und auch hier entsteht wieder der genannte Netzwerkeffekt.

Der auf der Tagung ausgesprochene Wille, Daten die mit öffentlichen Mitteln erstellt wurden, auch öffentlich bereit zu stellen nimmt diesen Gedanken auf. Die dazu wenigen notwendigen technischen Schritte zu gehen sollte nicht so schwer sein.

Die auch geäußerte Einsicht dass die Erstellung und Pflege von Klassifikationen immer Teamwork ist entspricht der Netzwerkidee. Mit dem Internet wird die Vorstellung zentraler Einrichtungen die Wissen tragen aufgelöst. Gefordert ist dezentrale Kollaboration. Die technischen Mittel dazu stehen heute zur Verfügung - es bedarf der Entschiedenheit sie in gewandelten digitalen Strukturen einzusetzen.

Wie bringen wir Wissen, Sammlungen und Nutzer zusammen? Wie vernetzen wir uns? Wie machen wir unsere Arbeit bekannt? Mit diesen und anderen Fragen beschäftigen sich Bibliothekare und Kunstwissenschaftler weltweit. Eine wunderbare Möglichkeit hochrangigen Kollegeninnen und Kollegen aus den USA und Deutschland bei ihrer Arbeit zuzuhören, bietet das 2-tägige Kolloquium From Wunderkammer to e-Resource: Promoting Art Information Across Borders in the 21st Century in Berlin vom 13-14. Juni 2013, organisiert von der Initiative Fortbildung und der AKBM.

Als „Sahnehäubchen“ ist man im Anschluss an die Vorträge zur Verleihung des John Jacob Astor Award in Library and Information Science an Deborah Kempe (Chief of Collections Management & Access, Frick Art Reference Library, New York) eingeladen. Der Preis wird an deutsche oder amerikanische Kollegen verliehen, die einen besonderen Beitrag zum transatlantischen Wissenstransfer geleistet haben.

Zu dem spannenden Programm zählen unter anderem Vorträge von Hubertus Kohle (Institut für Kunstgeschichte, LMU München) zu ARTigo und Robin Schuldenfrei (Institut für Kunst- und Bildgeschichte (IKB), HU Berlin) zu internationalen Aspekten des Studiums der Kunstgeschichte.

Interesse geweckt?  Das gesamte Programm sowie Hinweise zu Anmeldung und (kostenfreier) Teilnahme finden sich hier und bei der Initiative Fortbildung .

Es ist eine recht eigentümliche Atmosphäre so zwischen Kunst und Baustelle. In den Randbereichen des großzügigen Atriums stehen Leitern, Werkzeugkisten und Farbeimer. Auf der Treppe zu den Schließfächern liegt Staub und ein Stück Malervlies. In der Mitte des Raumes schraubt sich eine Konstruktion aus Stahl und Glas von der Decke bis knapp über unsere Köpfe: das „Wirbelwerk“ des dänischen Künstlers Olafur Eliasson. Über einem Durchgang klebt ein weißer Folienstreifen. Bei näherer Betrachtung wird der darunterliegende Schriftzug erkennbar: „Franz von Lenbach“.

Es klingt noch recht leer, trotzdem ist die Atmosphäre freundlich und einladend.

Nur 14 Tage bleiben noch, bis das Lenbachhaus in München nach vier Jahren Renovierung und Umbau seine Pforten wieder für Besucher öffnet. Einen ersten exklusiven Einblick in das neue Museum gewährte man in der letzten Woche einer kleinen Gruppe Neugieriger, die vornehmlich aus den zukünftigen Guides bestand. Die Sammlungsleiterin und Kuratorin Dr. Karin Althaus führte durch die neuen – und die alten Räume.

Auf bemerkenswerte Weise ist es den Architekten gelungen, die historische Bausubstanz mit dem imposanten Neubau zu verbinden. Die Fassade der Künstlervilla Franz von Lenbachs ragt direkt in den neuen Eingangsbereich hinein, wirkt dabei aber keineswegs wie ein Fremdkörper. Eher wie eine Skulptur in der Architektur – oder vielmehr umgekehrt? Die Lenbachräume und der Garten wurden lediglich renoviert und blieben ansonsten unangetastet.

Dem Wunsch, den Charme des Privaten zu erhalten, hat man auch in den Räumen des Neubaus entsprochen. Es wurde Eichenparkett verlegt und aus den Bildern heraus ein neues Farbkonzept für die Wände entwickelt. Zum Teil mit überraschenden Resultaten: Gewischte japanische Tusche mit Glimmer oder ein schwarzer gemusterter Seidenmoiré als Hintergrund für Marc, Kandinsky, Münter & Co..

Ins rechte Licht gerückt wird die Kunst durch modernste LED-Technik, die das Tageslicht perfekt imitiert. Einige Ausstellungsräume, wie die für den Blauen Reiter, sind bereits so gut wie fertig. Lediglich die Beschilderungen fehlen noch. Woanders wird hingegen noch fleißig gewerkelt. Hier haben die Kunstwerke teilweise noch nicht einmal den Weg aus der Schachtel gefunden.  Zwischen leeren Rahmen und unmontierten Büsten zeugt beschriftetes Klebeband an den Wänden von Testhängungen.

Ein zufälliges Arrangement aus Verpackungsresten in einer einsamen Ecke bekommt eine ganz neue Bedeutung, wenn im Nebenraum gerade ein Beuys installiert wird. Dieser bildet einen neuen Schwerpunkt in der Sammlung und hat sogar einen ganzen Flügel des Museums für sich alleine. Insgesamt möchte man den Fokus künftig auf starke Einzelpositionen legen und gesteht ihnen daher solche ‚Künstlerräume‘ zu.

Wie das neue Lenbachhaus bei den Besuchern ankommt, wird sich bei der Wiedereröffnung am 8. Mai zeigen. In der ersten Woche ist der Eintritt für alle Interessenten frei. Darüber hinaus werden ab dem 14. Mai bis Ende September das Museum und seine Sammlung in einer täglich stattfindenden Überblicksführung vorgestellt.

Doch davon soll an dieser Stelle eigentlich nicht die Rede sein. Aber der Hintergrund ist hilfreich, um die Tragweite zu ermessen, die in Larsens Master-Arbeit an der Rhode Island School of Design angelegt ist.  Da sieht man erst einmal einen schwarzen Acryl-Würfel mit 20,32 Zentimetern Seitenlänge. Glatt poliert, glänzend steht er auf dem Sockel. Ist das etwa Konkrete Kunst? Nicht wirklich. Denn die Rückseite offenbart: Es handelt sich um eine Gerätschaft, denn ansonsten sähe man da bestimmt kein Netzwerkkabel.

Die Arbeit ist ein verrücktes, aktualisiertes Zitat der Arbeit "Box with the sound of its own making" von Robert Morris aus dem Jahr 1961. Jene historische Kiste aus Holz birgt einen Abspielgerät, dass die Geräusche wiedergibt, die beim Bauen des Würfels ertönten, also das Sägen und Hämmern. Bei Larsen ist das anders. Seine Maschine nimmt, einmal am Internet hängend, umgehend Kontakt mit dem Auktionshaus ebay auf und preist sich selbst als Kunstobjekt an. Sein Zweck ist es, ersteigert zu werden. Allerdings sollte man vorher den Text auf der "Produktseite" lesen, den der Künstler in Zusammenarbeit mit einer Anwältin verfasst hat, sonst wird man vielleicht enttäuscht sein, wenn man den Zuschlag erhalten hat. Denn das Werk gehört dem erfolgreichen Ersteigerer niemals wirklich.

Ausgangspunkt für diese Netzkunstplastik war die Frage, wie man Geld mit seiner künstlerischen Arbeit macht. Und so lernte er von Warhol und all den anderen, die sich mit dem Markt auseinander gesetzt haben. Mit dem Ergebnis dieser, sich selbst wieder und wieder anbietenden Arbeit. Alle zehn Minuten schaut das Gerät, ob eine Auktion von sich selbst läuft. Wenn nicht, erzeugt es automatisch eine. Es sei denn, Komplikationen treten auf. In der Ausstellung "Yes, we're open", der letzten des Nederlands Instituut voor Mediakunst (NiMK) etwa: "Wir kämpfen mit Verbindungsproblemen", schilderte Caleb Larsen. Und verweist auf ein generelles Problem der Netzkunst: keine Connection, keine Kunst. Das ist schlimmer, als schalte man dem Besucher einer Ausstellung mit Ölbildern das Licht aus.

Wem aber gehört das Tool am Ende einer gelungenen Auktion? Im besten Fall funktioniert es wie ein Wanderpokal. Wer den Zuschlag bekommt, dem wird der glänzende Würfel zugeschickt. Bedingung: Der Besitzer muss einen Online-Zugang zur Verfügung stellen. Der nächste Matchwinner bekommt dann wieder den schwarzen Fetisch. Das Geld geht an den Künstler. Und ganz nebenbei hebelt Larsen auch noch den klassischen Kunst-Verwertungszyklus aus den Angeln, denn der Sammler hat im Prinzip nichts davon. "Zur Zeit 'besitzt' die Arbeit zwei Privatsammler. Einer ist sehr generös und leiht sie an Ausstellungen aus", beschreibt Caleb Larsen. Es ist keine Bereicherung der eigenen Sammlung, wenn das Gerät wieder auf Wanderschaft ist. Kein Wertzuwachs folgt daraus. Das einzige, womit man sich rühmen kann, ist die Tatsache, dieses "Werkzeug der Täuschung und Metzelei", einmal besessen zu haben, ohne dass es Eigentum wurde.

Eigentlich ist die Arbeit damit so etwas wie der Prototyp eines Vanitas-Stilllebens für das 21. Jahrhundert. Aller Gewinn ist flüchtig, aller Wert gleichermaßen. Es bleiben Erinnerungen, aber keine Materie. Was anderes war es denn, als 2008 die Börse taumelte und die amerikanischen Eigenheim-Bauer plötzlich ihre Kredite nicht mehr abzahlen konnten? Fort und vorbei. Alles war und ist eitel. In der Kunst und vielleicht ganz besonders in dieser Netzkunst wird uns das auf ganz zeitgenössische Art und Weise bewusst.

Das Zentralarchiv des internationalen Kunsthandels (kurz: ZADIK ) hat eine neue Webseite, deren erste 17 Bestände nun online recherchierbar sind. Auch wenn sehr vieles aus vornehmlich rechtlichen Gründen auf diesem Wege nicht zugänglich ist, mag ein Einblick in die Arbeit der Galerien ab 1945 Lust machen auf einen tiefergehenden Einstieg in die Geschichte des Kunstmarktes.

Eine Recherche vor Ort muss angemeldet werden - und kann unter Umständen mit einigen Kosten daherkommen, vor allem wenn für eine Veröffentlichung Abbildungen benötigt werden. Allerdings ist das Archiv stark von Fördermitteln abhängig und versucht verständlicherweise für  Dienstleistungen Gebühren zu erheben.

L.I.S.A., das Wissenschaftsportal der Gerda Henkel Stiftung begleitet gerade die Vorbereitungen zu einer Fluxus-Ausstellung mit der Kamera. Episode 2 gibt einen Einblick in das ZADIK: www.lisa.gerda-henkel-stiftung.de/videos_projects_watch.php

Der Garten als Raum sozialer Handlungen. Stereotyp Landschaftsgarten vs. Barockgarten als Antipoden bei Daniel Nikolaus Chodowiecki: Natürliche und affektirte Handlungen des Lebens: Die Unterredung (1778)

Wind und dessen materielle Manifestation in den Gewändern und Haaren hatte bereits Aby Warburg in seiner luziden Analyse der Primavera fasziniert. Wind kann verändern, dynamisieren und fegt bisweilen auch über Gegenstandsbereiche der Kunstwissenschaft, die lange Zeit eher windstille Gebiete waren: Ich meine hier die Gartenkunstgeschichte, die kaum an den kunsthistorischen Instituten vermittelt wird und deren allgemeiner Charakter als „Plaisirforschung“ hier im Blog schon eingehender konstatiert wurde.

Jüngst lässt sich aber seit dem 31. Kunsthistorikertag in Würzburg mit einer Sektion zu den „Quellenproblemen der Gartenkunstgeschichte“ eine neue Beschäftigung mit der Gartenkunst feststellen, die jenseits der immer wieder bemühten (und überdies falschen) Reduzierung auf stilistische Systeme von sogenannten absolutistischen französischen Gärten versus freiheitlichen englischen Landschaftsgärten neue Wege bestreitet: Gartenkunst als Medien übergreifende Gattung, als Experimentierfeld naturwissenschaftlicher und technischer Erkenntnisse und kulturellen Erinnerungsraum.

Diese neuen Perspektiven zeigen auch zwei kürzlich erschienene Publikationen auf. So kartiert die Geschichte der Gartenkunst in Deutschland erstmalig eine transdisziplinäre Zusammenschau der vielfältigen an der Gartenkunst beteiligten Disziplinen (Botanik, Technikgeschichte, Sozial- und Wirtschaftsgeschichte, Philosophie etc.) und verdeutlicht den wechselhaften Aufstieg der Gartenkunst als eigene Gattung im System der Künste. Und Horst Bredekamp fordert mit seinem Essay über Leibniz und die Revolution der Gartenkunst eine neue Bewertung des Barockgartens ein. Wenngleich diese Lesart bisweilen auch kritisch zu betrachten ist (vgl. hierzu die Rezension von Marcus Köhler), zeigt der Essay grundsätzlich, dass die Gartenkunst eine Gattung ist, die als Wissens- und Experimentierraum verstanden neue Fragen aufwirft. 

Insofern darf also Hoffnung bestehen, dass die Gartenkunst auch als paradigmatischer Gegenstandsbereich heutiger Fragen der Kunstgeschichte nach Wissenstransfer, kulturellem Austausch und der Relation von Kunst und Technik mehr in den Blick gerät.

Impuls Twitter

Die Nutzen sowohl in den Bereichen der musealen Forschung, Präsentation wie auch der Vermittlung liegen ja eigentlich auf der Hand. Interessante Impulse kommen aktuell vor allem aus dem Angelsächsischen Raum oder den U.S.A., wo Universitäten beispielsweise bereits von positiven Erfahrungen beim Einsatz von Twitter in der Themenvorbereitung für den Unterricht berichten können. (Vgl. Daniela Retelny u.a.:  Tweeting for Class , 2012). Ein weiteres Beispiel ist die Tate Modern (U.K.), die gerade eine Evaluierung mit dem Microbloggingtool Twitter durchgeführt hat, um mit Hilfe dieses Kommunikationsinstruments die Besuchererfahrung in ihrem neu etablierten Kunstraum „The Tanks“  zu ermitteln. Man wollte herausfinden, ob und wie der neue Kunstraum bei den Besuchern aufgenommen wurde. Die Verwendung als Erhebungstool ist beachtenswert und zeigt, die Vielfältigkeit dieses Instruments. (Vgl. Elena Villaespesa: Driving into the Museums Social Media Stream , 2013)

U.K. Web im Archiv

Zudem machte fast unbeachtet im Web machte letzte Woche die eigentlich spektakuläre Nachricht seine Runde, dass die British Library in einem Kooperationsprojekt zusammen mit fünf weiteren Bibliotheken das gesamte U.K. Web zukünftig archivieren möchte. Unter dem Material sind Internetseiten, Blogs, aber auch Nachrichten der Social Media Kanäle Facebook und Twitter. Dies ist sicherlich ein Schritt, um nicht nur zukünftig wertvolles Recherchematerial im Hinblick auf die Lebens-, Seh- und Kommunikationsgewohnheiten im Web zu gewinnen, sondern auch die Zukunft der Bibliothek als Rechercheeinrichtung mit genuinem Archivmaterial zu sichern. Unter dem Hashtag #digitaluniverse  kann man das Projekt auf Twitter verfolgen.

Tweetups im Kulturbereich

Auch im Museumsbereich tut sich einiges – ebenso in Deutschland. Einzelne Museen sind gerade im Web extrem erfolgreich, wie das NRW-Forum in Düsseldorf oder auch das Städl in Frankfurt. Als ’virtuelle Sternschnuppen’ waren in letzter Zeit die verschiedenen Tweetups zu verstehen, die ganz aktuell in der Villa Stuck in München (Kulturkonsorten), als QR-Code Tweetup im DHM in Berlin  (museup) oder auch als Vorstoß in die Theater- und Opernwelt bei einer Probe im Theater Heilbronn (kultup) durchgeführt wurden. Eine Bewegung, die sich von den Kulturkonsorten in München seit 2011 ausgehend mittlerweile in die Städte Frankfurt, Köln, Hamburg, Berlin und Dresden ausgebreitet hat.

Sonifikation: #tweetscaps

Toll sind sicherlich ebenso das Projekt #tweetscapes (2012), das alle deutschsprachigen Tweets in Echtzeit in eine Visualisierung und Sonifikation im Web für jeden zugänglich überführt. Einzelne Hashtags tauchen hier je nach Relevanz auf und werden in Töne umgewandelt, die wiederum eine einzigartige Klangsituation schaffen. Es zeigt sich hier eine Möglichkeit, Forschungsdaten akustisch wie visuell auszuwerten und so sinnlich erfahrbar zu machen, was sicherlich auch gut im Museumskontext zur Aufbereitung von umfänglichem Datenmaterial wie Forschungsergebnissen komplementär in Ausstellungen zum Einsatz kommen könnte.

Der Internationale Museumstag 2013 wird viral

Die Museumslandschaft in Deutschland hat gerade auch einen großen Schritt in Richtung Social Media getan. Denn der diesjährige Internationale Museumstag hat beschlossen, den IMT13 auch in den digitalen Medien stark zu machen. Dahinter steht der Deutsche Museumsbund (DMB), die ICOM Deutschland sowie die Förderpartner und auch die regionalen Museumsorganisationen und –verbände, die den Internationalen Museumstag seit Anfang der 70er gemeinsam tragen. Vom Erfolg dieses zunächst einmal als Pilotprojekt angesetzten Unterfangens hängt daher einiges ab. Schön wäre es, wenn dies der Auftakt zu einer neuen Perspektive der Museen im virtuellen Raum würde. Daher an dieser Stelle auch mein Aufruf an alle Museen und Kulturinteressierte, beteiligen Sie sich am #IMT13! Liken, posten, kommentieren, retweeten und pinnen Sie uns! Sie finden den IMT13 auf Facebook , Twitter und Pinterest .

#IMT13-Tweetup

Nehmen Sie die Gelegenheit wahr, Teil dieses Experimentes zu werden: Denn der  1. bundesweite Tweetup ist für den 12. Mai , den Aktionstag des Internationalen Museumstags, geplant. Alle notwendigen Informationen dazu finden Sie hier . Das Motto wird "Hier und Jetzt" lauten. Daneben läuft gerade eine Blogparade zum Thema „ IMT13 – Wir machen mit! “, wo Museen auch ohne Erfahrungen im Social Media Bereich kurzentschlossen sich beteiligen können. Kontakt zur IMT13-Online-Redaktion: digital@imt13.de  

Fit machen für Social Media können sich Kultureinrichtungen, Museen und Kreative am 20.April beim stARTcamp München, das bereits zum 2. Mal in Kooperation der Kulturkonsorten mit der Landesstelle für die nichtstaalichen Museen in Bayern  stattfindet. Anmelden kann man sich hier . Einige Themen stehen schon fest: Apps für Museen, Augmented Reality, Bloggen im Museum, Collaborative/Crowdscources Art – Projekt, QR-Codes, Contentgenerierung und Entstehungsprozesse von Museums-Apps, Tweetups im Kulturbereich, oder auch Participant Generated Content. Die Sessions haben Workshop-Charakter und geben eine gute Gelegenheit, sich zu informieren, zu vernetzen und Fragen direkt zu stellen.

Man sieht, es ist doch schon Bewegung in die Kulturlandschaft in Deutschland gekommen. Gerade Twitter entwickelt hier sein bislang noch unterschätztes Potential. Aber ich denke, erst die Spitze des Eisberges ist erreicht. Die Institutionalisierung und damit die Professionalisierung im Bereich Social Media haben gerade erst begonnen. Es fehlt leider oftmals noch an Wissen, Möglichkeit und Mut, die zur Verfügung stehenden Social Media Instrumentarien und Techniken für die eigenen Bedürfnisse gezielt einzusetzen, umzumünzen und so auch gewinnbringend für den Kulturbereich weiterzuentwickeln.

The Rijksmuseum brings together people, art and history. Our aim is to share the collection and make it more accessible for everyone. The national art collection belongs to everyone and is for everyone to share. The Rijksmuseum’s core values are:

• Authenticity
• Quality
• Personal touch
• Innovation
• Simplicity

It is important to us that developers stand behind our mission, aims and core values. With this in mind, developers are free to use objects in their entirety, combine collections, combine our data with other sources, and to sample and quote.

Wunderbar! Wir haben für artigo die Möglichkeit genutzt, über ein API mehr als 100.000 Bilder aus dem Museum in unser Spiel einzubinden. Einfach so. Unerhört - werden manche deutschen Museumsvertreter sagen. Ich meine dagegen: Vorbildlich und für die Zukunft der Museen existenziell bedeutsam.

Canran Zhang ist ein 1979 in China geborener zeitgenössischer Maler. Er studierte an der China Academy of Art in Hangzhou Ölmalerei sowie an der Berliner Universität der Künste, wo er im Jahr 2009 sein Studium mit einem Master of Fine Arts abschloss. Das besondere an Zhangs Gemälden ist die ausdrucksstarke Verbindung aus traditioneller chinesischer Geschichte mit zeitgemäßen Elementen des modernen Chinas unter Berücksichtigung des technischen Fortschritts und des gesellschaftlichen Wandels. Seit 2010 lebt, und arbeitet der Künstler in Berlin. Noch im selben Jahr fand eine Vernissage seiner Werke aus den Jahren zwischen 2005 und 2010 in der „Xiang Rui Cheery Gallery“ in Shanghai statt. Im Jahr 2012 wurden 10 Werke des Künstlers im Rahmen des Leipziger Kunstwochenendes in der Galerie „Bodo W. Hellmann Fine Art“ gezeigt. Vordergründig bildet Zhang historische Motive der chinesischen Gesellschaft der 60er und 70er Jahre in seinen Werken ab und kombiniert sie wirkungsvoll mit zeitgenössischen Komponenten der sich rapide verändernden Gesellschaft seines Heimatlandes.

Kennzeichen von Zhang

Zu den Charakteristika von Zhang gehören außerdem traditionelle Figuren und Motive im Vordergrund seiner Gemälde, die monochrom in Grau oder Schwarz-Weiß gestaltet sind. Der Hintergrund dagegen ist farbig angelegt, enthält häufig architektonische Merkmale und liefert so die markanten Kontraste in seinen Kunstwerken. Dieses stimmungsvolle künstlerische Gestaltungsmittel trennt den historischen Hintergrund optisch von den modernen Elementen und verbindet sie gleichzeitig wieder zu einem kraftvollen und in sich stimmigen Gemälde. Die Kompositionen Zhangs erhalten durch die Verbindung von Farbkontrasten, die bedeutungstragend bezüglich Geschichte und Moderne, Politik und Tradition sowie Technik und Fortschritt sind, eine intensive Spannung. Demgegenüber symbolisieren die neuzeitlichen Elemente technologischen Fortschritt und gesellschaftlichen Umbruch in China und werden von Zhang in der Regel durch farbige Flugzeuge oder andere Maschinen dargestellt.

Realität, Tradition und historische Charaktere

Zhangs Gemälde führen Kulturen zusammen, die nicht nur einfach auf einer Leinwand zusammentreffen, sondern sich regelrecht vereinigen und zu Elementen eines einzigen Ortes verschmelzen. Die Hauptfiguren im Vordergrund seiner Werke sind vielfach in Form eines Gruppenbildes arrangiert. Dieses ist teilweise von realen historischen Tatsachen inspiriert, wie beispielsweise dem Treffen von Otto von Bismarck und Li Hongzhang im Jahr 1896. Teilweise stellt Zhang aber auch Charaktere zusammen dar, die sich im realen Leben nie getroffen haben, die aber Gemeinsamkeiten besitzen oder die ein Continuum Historicum haben. Dies ist zum Beispiel der Fall bei einem Gemälde aus dem Jahr 2009 mit dem Titel „Kaiser“. Es zeigt den letzten chinesischen Kaiser Pu Yi mit dem chinesisch-amerikanischen Schauspieler John Lone. Dieser übernahm die Rolle des Kaisers im Jahr 1987 in dessen autobiografischer Verfilmung.

Alle Rechte an Bildern und Text sind ISA Auctionata Auktionen AG vorbehalten.

www.monopol-magazin.de/blogs/der-kritiker-jerry-saltz-blog/

Es stellen sich ja zurzeit einige Galeristen des unteren und mittleren Preissegments die Frage, wie es weiter gehen soll, wie man das Überleben des Geschäfts sichert, wo es immer mehr Künstler und Galerien, aber stagnierende Sammlerzahlen gibt. Die Branche scheint vielleicht vor einem Umbruch zu stehen.